Crítica: Byzantium.

agosto 22, 2013 at 8:44 pm (Críticas, Próximos estrenos)

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‘Byzantium’ es el regreso al cine vampírico del polifacético Neil Jordan (podéis leer mi crítica de su Mona Lisa aquí), tras ‘Entrevista con el vampiro’. Parece que Jordan y su equipo vieron el lamentable estado actual del subgénero y dijeron: “Aquí hay que hacer algo, hay muchos muebles que arreglar”. Y efectivamente, Byzantium supone un soplo de aire fresco dentro del cine de vampiros, y para el que esto escribe, la mejor película de vampiros de este milenio junto con ‘Déjame entrar’. Cierto es que no rompe del todo con la tradición romántica del vampiro (los ecos a la prosa de Anne Rice son frecuentes, y el personaje de Tom Hollander cita a Mary Shelley y Edgar Allan Poe explícitamente para referirse a los escritos de la protagonista), como sí lo hacía ‘Los viajeros de la noche’ de Kathryn Bigelow, mostrándolos como carroñeros sin ningún tipo de código moral. Pero al final lo que cuenta es la historia, y la de Byzantium está mejor contada que la de Bigelow. Puede no desmitificar, pero sí aporta una nueva mitología al mundo de los vampiros. Aquí no tienen colmillos, son más sutiles. No mueren con la luz del día ni les debilita el ajo. Matan con la uña de pulgar, que se alarga cuando van a cometer un crimen. Y no se convierten en vampiros con la transfusión de sangre, sino que tienen que ir a una isla abandonada y meterse en un pozo para purificarse. Todo esto aporta frescura a la propuesta y la sitúa por encima de muchas coetáneas.

Saoirse Ronan y Gemma Arterton son Eleanor y Claire, dos hermanas (o eso parece al principio) que escapan de unos hombres y nunca se quedan mucho tiempo en un sitio. Una escena inicial que las define muy bien es la primera vez que ambas matan a alguien. Eleanor lo hace con el consentimiento de la víctima, de modo amable y sucinto, tras haber escuchado la historia de su vida y de cómo la mujer a la que amó nunca le correspondió. Le ofrece su empatía y sólo después le mata, casi como si fuera un favor. Claire decapita y se llena la cara de sangre. Una, sensible y deseosa de compartir sus secretos, la otra, implacable y capaz de hacer cualquier cosa para proteger a su hermana pequeña y ganar dinero. En el trabajo, Claire da con un pobre hombre que paga por una mamada cuando sólo quiere un abrazo, y Claire es recompensada por esa ocasional concesión a la bondad: el hombre posee un edificio llamado Byzantium y les da a las chicas una oportunidad para salir de la precariedad. Este personaje, interpretado por Daniel Mays, interesa y tiene bastante chicha, y uno de los puntos débiles de la película es la conclusión que se le da. Merecía más.

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Tras su potente inicio, ‘Byzantium’ pierde un poco de fuelle al centrarse en la historia de amor de Saoirse y Caleb Landry Jones. A pesar de que ambos caen simpáticos y se evita lo empalagoso en todo momento, sí que provoca que el tono de la película se vuelva más lánguido. Cuando regresamos a los flashbacks centrados en Claire, con sus venganzas a proxenetas y baños en cataratas de sangre acompañados por la música opulenta de Javier Navarrete, la película recupera su fuerza y sensualidad. Aquí se encuentra la mayor parte de miga de la película, y si se hubieran centrado más en Claire la película podría haber sido aún mejor. Claire consigue adentrarse en una Hermandad, en la que hasta el momento no se permitía su acceso a mujeres y los rostros de sus integrantes exudaban misoginia. Aún así, su fuerza y tenacidad consiguen cambiar las tornas de la Historia, y habría sido muy interesante explorar la idea de Claire como percursora del primer movimiento feminista del mundo. Lamentablemente, no se concede el tiempo necesario a este aspecto del guión.

Byzantium funciona por su cuidada estética, las sólidas intepretaciones (en especial Gemma Arterton), sus aportaciones novedosas a la imaginería vampírica y unos flashbacks que nos regalan escenas intensas con una sugerente ambientación gótica y un subtexto social no del todo explorado. Es una pena que Byzantium haya pasado desapercibida (en gran parte debido al pobre trabajo de su distribuidora) y que Crepúsculo sea un ítem cultural reconocible al instante. Uno no puede evitar pensar que si hubiera sido a la inversa, unas cuantas neuronas más poblarían ahora las mentes de millones de adolescentes.

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Crítica: Only God Forgives.

agosto 2, 2013 at 8:43 pm (Críticas, Próximos estrenos)

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Dicen que ‘Only God Forgives’ pertenece a la consabida dicotomía de “o la amas o la odias”. Que si la amas es porque no esperas una narrativa convencional y estás abierto a lo que la película propone, y que si la odias es meramente por intransigencia y tradicionalismo. Pues bien, yo no soy un tradicionalista y me encuentro en el medio de las dos posturas. Si bien es un error menospreciar todo lo que elude esquemas conocidos, también lo es vanagloriar ciegamente todo lo que tenga pátina de autor. Se puede sugerir sin ser explícito y aún así hacerlo mal. Puedes caminar por el camino más noble y aún así tambalearte y tener dificultades para andar erguido. Es lo que le pasa a ‘Only God Forgives’. Sus intenciones artísticas y su postura de dejar interpretaciones abiertas para que el espectador trabaje son del todo loables, pero no garantizan una buena película.

Empecemos por lo bueno. La estética. Nicolas Winding Refn cuida al máximo cada plano, con una iluminación y juegos de colores que salvan los momentos más plomizos de la cinta. Y mejores son los puntuales momentos en los que la estética revela algo que está detrás, y no está sólo para epatar. Como el inquietante episodio en el que el protagonista sueña que le cortan las manos, y cómo este acto representa su deseo de ser expurgado de sus pecados. O cómo el inspector de policía parece tener un sexto sentido, anticipándose a los hechos e intuyendo cuándo va a ser atacado (casi como un Dios). Es esta intuición la que le permite destrozar a Ryan Gosling en la pelea, dejando claro quién manda aquí. ¿Puede ser este el castigo divino hacia el hombre que trata de sublevarse? ¿El necesario tirón de orejas al forastero en tierras ajenas con pretensiones de colonialismo? ¿Puede ser Ryan Gosling el Adán que apartó a Eva y mordió primero la manzana, recibiendo la cólera de un Dios que le mutila?

Otro de los puntos fuertes es la actuación de Kristin Scott Thomas (Crystal). Impone. Domina. Su hijo la admira en actitud sumisa (casi con complejo de Edipo), y al final de su recorrido escarba en su vientre para hallar el sitio donde más a gusto ha estado siempre: con ella. Lástima que el personaje no se explore más, ni pueda gozar de un compañero de reparto que la haga justicia, ya que Ryan Gosling (Julian), y aquí viene lo negativo, está en una de las peores actuaciones de su carrera. Podría haber sido interesante ver cómo un hombre lidia con tener la obligación de vengar a su hermano siendo este un violador y sabiendo que su enemigo hizo bien matándolo. Pero Julian no es un hombre. Es un mal modelo bressoniano que está fuera de lugar e irrita con la nula consistencia de sus acciones. Hacia el final, se le ocurre de repente hacer lo correcto, la moral le salta como una bombilla en la cabeza. Pero lo hace cuando ya es demasiado tarde, dejando a una niña huérfana. Si la moral (que no moralismo) hubiera sido una constante en la película, al protagonista ya se le habría ocurrido hacer lo correcto antes, cuando todavía podía ser de utilidad, y no cuando la moral es ya un pensamiento tardío que empeora aún más las cosas. Se necesitaba a un personaje capaz de acercarte a estos conflictos, y no uno que te haga dudar de su legitimidad y te aleje de ellos. El ‘modo taciturno on’ durante toda la película funcionó en ‘Drive’ porque se intuían cosas debajo. El silencio era un modo de tapar emociones reprimidas, y la historia de amor funcionaba por ese contraste de caracteres; aquí es sólo una excusa para lo molón y la cámara lenta. Me cuesta creer que Refn no viera lo contraproducente de insuflar a la historia ese pasotismo Martini.

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Una de las escenas que mejor ejemplifican los fallos y excesos de ‘Only God Forgives’ es esa en la que el policía clava dos pinchos en las manos de uno de los hombres de Crystal. Otra vez, las manos como vía de expiación, de ofrecer un castigo que la propia víctima desea pero no acepta. La idea se ha comunicado con éxito. Pero aún así, el policía sigue clavando pinchos al hombre, primero en los ojos y luego en las orejas. Esto no aporta nada más que shock value. Refn se pierde en sus fetichismos, y sus ansias de impactar superan a las de narrar.

Este es el error de ‘Only God Forgives’. Puedo extraer subtexto a punta pala, hablar sobre lo que parece decir y lo que no, pero a nivel visceral falla. El subtexto se lo saco a una película con mucho más gusto si me tiene en tensión. Aquí se lo saco por no ponerme a contar ovejitas. Es una pena que Refn reincida en mostrar la relación hipócrita que tenemos con la violencia, cómo nos repugna y nos atrae al mismo tiempo (poniendo el metraje a la vera de estos aislados momentos extremos y del contraste que crean), y se olvide de todo lo demás. Pues sin estos momentos, el vacío vaga a sus anchas entre cámaras lentas y miradas circunspectas. Mientras, la mitología de la película queda apenas esbozada, olvidada por un autor que dejó el boli y salió corriendo de su estudio, embelesado por las luces de neón que apenas alcanzaba a ver desde su ventana.

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ZINEMALDI 2011: Drive.

octubre 31, 2011 at 9:53 pm (Críticas, Próximos estrenos)

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Lo digo alto y claro: Drive es un peliculón y rebasó con mucho mis expectativas cuando la vi en el Festival de San Sebastián. Es cierto que siento una debilidad por el cine negro y el guión de Drive sigue paso a paso los cánones del género. Pero la repetición de patrones previos no convierte a una película en apasionante. ¿Qué es entonces lo que la diferencia del resto? ¿Qué es lo que cambia con respecto a modelos anteriores? La mirada.

Drive me apasiona del mismo modo que lo hace Lazos ardientes de los hermanos Wachowski. La historia no es nada del otro mundo, pero los arquetipos que estas incluyen brindan al director la oportunidad de llegar a la esencia del cine negro renovando maneras. Hacer del estilo un estímulo sensorial y del entretenimiento una sensación a expandir. El arte y ensayo y el cine mainstream tan unidos que ya no percibes la línea que supuestamente los separa. ¿No es perfecto?

Estamos ante una película con un guión propio del cine negro de los 50, con una atmósfera similar al neo-noir áspero que se hacía en los 70, con música inspirada en los 80 y enmarcada en la actualidad. Bucea entre épocas. Y ese coqueteo posmoderno le otorga un interés inmenso porque no se basa en la floritura gratuíta, sino que cuestiona hasta que punto los ecos del pasado privan a una obra de tener identidad propia, y de si realmente existen esas privaciones o si nuestra conciencia las ha ido generando con el transcurrir de visionados.

¿Cuánto de viejo puede tener algo para poder considerarse nuevo? Tampoco paramos de oír quejas en el caso opuesto: “en esa época todavía no había salido esa canción”. Si a un film de época le pones música actual se produce un bache de verosimilitud. ¿Por qué? ¿No puede ir New Order más acorde con el sentir de los personajes en aquella época que las partituras de Beethoven?


Drive supone también un salto de gigante en la evolución de Nicolas Winding Refn como cineasta. Podíamos encontrar elementos interesantes en Fear X o Valhalla Rising, como el uso del color y la relación que tienen con los personajes o la historia que se cuenta. Yo diría que usa el color como acicate intelectual y de asociación de conceptos aparentemente inconexos. También había similitudes en el carácter de los protagonistas; personas errantes, perdidas, en busca de una quimera. Pero estos elementos, aun siendo sugestivos, no llegaban para alejarlas de una farragosa indefinición de fondo.

Aquí se llevan todos esos juegos formales a otro estadio. Si las películas anteriores de Refn descuidaban el conjunto en pos de la experimentación, en esta el resultado se tiene más presente que nunca. Se cuida, se pule y se mima. Y a mí eso me encanta, porque no sólo estoy viendo a un cineasta hallando su camino, sino también a alguien que, sencillamente, ha nacido para hacer esto.

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ZINEMALDI 2011: Martha Marcy May Marlene.

octubre 24, 2011 at 11:21 pm (Críticas, Festivales, Próximos estrenos)

 

Martha Marcy May Marlene fue la primera película vi en el último Festival de San Sebastián (que sin duda empecé con buen pie). Se trata del debut de Sean Durkin en la dirección de largometrajescuenta la historia de huída y readaptación de una chica (una estupenda y fotogénica Elizabeth Olsen) a la civilización, tras haber transcurrido el tiempo aproximado de 2 años en una secta en las montañas.

En la película nunca se nombra la palabra “secta” y eso es por una buena razón. La película no habla de individuos perturbados haciendo cosas perturbadas. Lo hace en parte. Pero lo que interesa es cómo cuestiona si lo que consideramos normal en realidad lo es o si lo que creemos perturbado lo es tanto. Sean Durkin se vale de la vulnerabilidad de la actriz principal para contraponer esos dos conceptos; civilización vs. vida salvaje y de moral libre. Y no rompe ninguna lanza en favor de ninguno, sólo expone los peligros de cada uno.

Cierto es que la película se hace lenta en algunos momentos y que el metraje podría acortarse un poco sin que el ritmo o la cadencia se resintiera. Pero Martha Marcy May Marlene es una película que exhala sensibilidad. Desde algunos planos sostenidos, de una belleza fotográfica admirable (como aquel en el que Martha está sentada en un porche y los marcos de las ventanas se reflejan en la pared), hasta el modo en el que se producen las transiciones entre presente y pasado (o sueño y realidad). Por ejemplo, la escena en la que Martha se prepara para saltar de la lancha y se corta a cuando salta desde lo alto de una roca.  Son detalles repletos de sutileza e inventiva visual.

Son detalles repletos de belleza formal, que lejos de confundir al espectador en el mal sentido de la palabra, sólo lo sumergen en la historia y en su ambigüedad, en su juego de realidades soñadas y memorias fracturadas. No, esta no es una peli de David Lynch ni Martha Marcy May Marlene es una obra maestra, pero el talento que Sean Durkin demuestra aquí nos hace augurar que pronto podría brindarnos una.

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Pagafantas: Las reglas de la no-atracción.

julio 1, 2009 at 9:40 am (Críticas, Próximos estrenos)

El pasado lunes asistí al pase de prensa de Pagafantas a las 10:00 de la mañana en los Cines Capitol de Bilbao. Debe ser difícil encarar un largo cuando todo el mundo recuerda tu laureado y aclamado corto Éramos pocos, y va al cine con su título pegado en la frente, esperando si no una versión larga de aquel, sí algo muy similar. Pues no. Pagafantas, el debut de Borja Cobeaga en la dirección de largometrajes, es otra cosa. Aprendamos de una vez a valorar cada cosa por lo que es.

Pagafantas está ambientada en mi ciudad, Bilbao, y no negaré que eso hace que gane varios puntos muy subjetivos, pero con la cantidad de alegrías y reconfortantes sorpresas que me deparó la película, esto acabó siendo casi lo de menos. Empecemos por el principio. La película comienza con lo que parece el extracto de un documental, explicando lo que es “hacer una cobra”. Esta será la primera de un glosario de reglas de la no-atracción, o de la des-atracción, y su importancia será vital en cada paso del protagonista, llegando a convertirse en el centro de su existencia. Y todo por una cándida mujercita (encantadora Sabrina Garciarena) de atractivo acento argentino y loable figura que arrastra al protagonista a un tormento interior y exterior desquiciante tanto para él como para los que le rodean. Y ella ni cuenta que se da.

Lo que diferencia a Pagafantas de otras es la naturalidad y frescura que se consigue transmitir en cada escena. Y esa frescura proviene de los diálogos. Me parece realmente increíble que no se regodeen para nada en lo escatológico, siendo esta la tónica imperante en las comedias patrias. Aportan siempre algún dato de interés sobre el carácter de los personajes, abundan los dobles sentidos e incluso resultan insólitamente crueles en más de una ocasión (“eso no cambia NUNCA”, sentencia la madre). Lo que viene llamándose un diálogo inteligente, vamos.

Además, la realización es algo más que cumplidora. Planos muy escogidos, dinámicos juegos visuales en las elipsis y un dominio del ritmo sorprendente, sobre todo para tratarse de un debut: no se puede decir que haya una sóla escena demasiado larga, ni otra demasiado corta. Pagafantas es una película prácticamente perfecta (aunque odio esta palabra) para sus ¿escasas? pretensiones. Y pongo “escasas” entre signos de interrogación porque plasmar las inquietudes de toda una generación de Pagafantas y mantener al espectador durante hora y media riendo sin que tenga que preocuparse por su salud mental, no es, en absoluto, moco de pavo.

Pagafantas se estrenará con 230 copias en España, algo casi inaudito echando un vistazo al resto del panorama español en cuanto a distribución. Espero que eso ayude y se coloque entre los primeros puestos de taquilla (en el primero a poder ser). Porque, esta rara avis dentro de la comedia española, se lo merece.

Después de la proyección del film, Borja Cobeaga y parte del equipo hicieron una rueda de prensa en la sala, en la que tuve ocasión de hacerle una pregunta (contiene un posible SPOILER):

– Teniendo en cuenta el placer (o dolor, puntualizó Cobeaga) que produce ver en la pantalla tantas cosas con las que identificarse, ¿no crees que el protagonista merecía algo mejor al final de la película, aunque fuera como bálsamo contra la cruda realidad?

Cobeaga me contestó con un rotundo “no”. Por un lado, me dijo que yo, como fan de Lost (llevaba una camiseta de Dharma), debería saber que el ofrecer un final concluyente carecía de importancia si el recorrido había valido la pena, y en este caso un final feliz iba en contra del espíritu de la obra. Me dijo que le interesaba, sobre todo, la humillación constante del protagonista, y había que ser consecuente con eso. No habría soportado ver a Claudia soltar un falso: “te quiero, Chema, de verdad“. Además, así quedaba la posibilidad de una segunda parte aún más alocada. En resumen, todo el equipo muy majo y dispuesto durante la rueda de prensa, la verdad es que fue un placer estar ahí y…   Que vayais a verla, coño.

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Doblete en San Sebastián: “Frozen River” y “Tropic Thunder”.

septiembre 22, 2008 at 7:06 pm (Críticas, Festivales, Próximos estrenos)

Este fin de semana tuve la suerte de asistir a la 56 edición del Festival de San Sebastián. Fue emocionante y tal porque era el primer festival de cine al que iba. Pero no voy a hablar del festival en sí, sino de dos de las tres películas que vi allí: Frozen River y Tropic Thunder (de La zona no hablo porque ya está estrenada y no es tan fardable).

Frozen River.

Ray Eddy es una mujer desolada a la que su marido acaba de abandonar. Hasta el cuello de deudas y a punto de que le embarguen la casa, decide hacer algo ilegal para mejorar su situación. La debutante Courtney Hunt se muestra hábil en el drama, definiendo a los personajes y aportándoles calado dramático, pero algo torpe en el terreno del thriller y sobre todo, a la hora de equilibrar la balanza entre los dos géneros. Porque la película va dando tumbos constantemente entre el uno y el otro, queriendo que ambos queden perfectamente integrados en la historia, algo que se consigue a veces. En su faceta de thriller encontramos también algunos fallos. Hasta pasada una hora no ocurre nada que sugiera que el que la protagonista trafique con humanos haya afectado en algo a los personajes. Es en la última media hora cuando quieren complicarlo todo y borrar esa sensación de intrascendencia con algunas situaciones forzadas. El ejemplo más claro de esto es la escena en la que el personaje de Leo toma una decisión por pura avaricia que no cuadra con su personalidad (y esto complica aún más las cosas).

Hunt nos quiere hablar sobre la importancia de la familia, el riesgo y consecuencias del tráfico humano, donde la ética entra irremediablemente en juego. Hacia el final nos habla también de la amistad… No es porque quede bien decir esto de los debutantes, que queda, pero a Hunt se le nota la inexperiencia. El querer abarcar mucho y apretar más bien poco, la pretenciosidad. La diferencia es que en esta ocasión, Hunt no se deja llevar por esa tentación en más de tres o cuatro escenas. En el resto, su labor no parece la de una debutante. Pero el verdadero descubrimiento de la película lo encontramos en las dos protagonistas: Melissa Leo y Misty Upham. Podría extenderme mucho con la primera, pero lo resumiré en dos palabras: credibilidad absoluta. Upham está bastante sosa al principio, pero cuando descubrimos su secreto esa sosez se transforma en deseo contenido, y acaba resultando una actuación memorable. Pero el mérito no es sólo suyo, ya que Hunt las dirige estupendamente. Es este el principal logro, no ya de la directora, sino también de la película: unas actuaciones llenas de sentimiento.

Lo que para Quentin Tarantino es “uno de los thrillers más inquietantes que he visto este año” para mí se queda en una estimable película que podría haber llegado a más de tener claras sus intenciones. Recalco un detalle que me acaba cansando si se repite mucho, y es: “plano de coche aparcando-coche aparcado-personaje apagando el motor-personaje abriendo la puerta-personaje saliendo del coche-personaje cerrando la puerta”, que no aporta absolutamente NADA a la trama.

– Tropic Thunder.

No tiene mucho sentido hacer una crítica seria de una película tan cachonda como esta. Si se ve con la predisposición adecuada (esto es, no esperar un sólo atisbo de seriedad; que ya me huelo las críticas de siempre), la película hará el resto. Escenas bélicas bestiales, actores en estado de gracia (huelga nombrarlos uno por uno), 1001 guiños y citas cinematográficas, BSO cañera… Y lo que es mejor: hay algo más aparte de las risas. Una crítica a los majors de Hollywood y a la presión que se inflige a los actores. Es también una película “cebolla”, por la cantidad de lecturas que se le puede dar al juego “actores dentro de un guión que se va haciendo cada vez más real” (tal vez el que Etan Cohen y Justin Theroux estén detrás del guión tenga algo que ver).

Atención a los tres trailers falsos que se proyectan antes de la película. Son BRUTALES, sobre todo el de Robert Downey Jr. haciendo de cura gay. Lo único que me chirría un poco de Tropic Thunder es el personaje de Tom Cruise (que por cierto aparece más tiempo en pantalla que Steve Coogan), que a mí no me hizo especial gracia, y siento decirlo, un Jack Black cargante en más de una ocasión. Por lo demás, un divertimento obsceno, paradigma de cómo pasarlo bien en el rodaje de una película sin mirarse el ombligo (no miro a nadie, Soderbergh…) y haciendo que el público también se lo pase estupendamente.

Para terminar, os dejo con unas fotos de mi breve paso por San Sebastián. Como buen fanboy, tengo que enterarme mejor de cuándo entran y salen los actores, porque no teníamos ni puta idea y fuimos al Hotel Maria Cristina a cualquier hora del día esperando que salieran en ese momento. A la segunda dio resultado y pude ver (fugazmente) a Mario Monicelli y Ben Stiller. Pero digo que he de enterarme mejor porque pude haber visto a John Malkovich, Robert Downey Jr., Colin Firth o Michael Winterbottom y no lo hice, y ahora me muerdo las uñas. Ala, al final he acabado hablando un poco de todo xD. Tenía que compensar de alguna forma lo muerto que anda el blog… Sin más dilación, las fotos:

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Trailer de Southland Tales.

septiembre 22, 2007 at 12:59 pm (Próximos estrenos, Trailers)

 

Por fin ha llegado el trailer de la deseada y esperadísima Southland Tales de Richard Kelly, que con sólo una película en su haber (Donnie Darko) ya ha conseguido que esperemos este su nuevo proyecto como agua de mayo. Hace poco salió el poster oficial y ahora, tras semanas, meses de espera sale el trailer. Por todos es sabido que le dieron un buen barapalo en Cannes, dónde la acusaron de pretenciosa, tomadura de pelo, horrible y demás lindezas adjetivales, y dónde pudimos encontrar críticas tan dispares como “La version de Cannes es uno de los mas grandes y horribles desastres que jamas he visto”, “Olvídense de “Donnie Darko”, esto es algo mucho mayor, de mucha mayor envergadura, ya sea para bien o para mal y permítanme decirles una cosa, si ésta es la historia de cómo fue el fin del mundo, yo estoy encantado de cómo me la ha contado Richard Kellly” o “Diarreico argumento; es imposible describir la empanada mental del tal Kelly, su facilidad para empalmar tonterías con pretensiones alegóricas y simbolistas” de Boyero. Particularmente no haré caso a ninguna de ellas, pues no creo que Cannes deba considerarse como referencia a la hora de escoger películas precisamente.

Como ya sabreis, Southland Tales mezcla géneros tan variopintos como la comedia, thriller, ciencia-ficción o el musical (¿?, espero que sea en alguna actuación aislada, no que se pongan a cantar la marimorena sin más) y la protagonizan Dwayne “The Rock” Johnson, Sarah Michelle Gellar (inolvidable Buffy), Sean William Scott, Mandy Moore, Miranda Richardson, Bai Ling, Janeane Garofalo, Kevin Smith… y la sinopsis es la siguiente (la copio y pego, ni siquiera quiero leerla): Los Ángeles, 4 de julio 2008. Ante la falta de energía eléctrica y de carburante que ha provocado un ataque nuclear, una empresa alemana dirigida por Fraks descubre y comercializa el karma procedente del océano y que altera la rotación de la tierra. Ante ello, un amnésico actor del cine de mamporros, una antigua reina del cine porno, dos hermanos muy zumbados y un grupúsculo de guerrilleros marxistas deciden enfrentarse a la gran conspiración del racismo, el fascismo político y la policía represora para hacerse los dueños del caos.

Según L.A. Times, la duración original era de 164 minutos, de los cuales Kelly recortó 20, por lo que la duración final se quedaría en 144 minutos, más de las dos horas que se habían deducido y para mí (siempre lo diré; si una película da para ello prefiero que sea larga), mejor. En palabras del propio Kelly “Honestamente, creo que la película es mejor así”, refiriéndose al recorte de minutos, y también afirma que de ese modo cree que es más concreta y accesible a una audiencia más amplia. Así mismo, de los 600 efectos visuales que integran el film, 100 son completamente nuevos. La película podremos verla por estos lares el 4 de julio del 2008, con lo que se cumple lo que me temía. Van a tener que quitarle el “In a not too distant future” por “In a present day”. Aquí teneis fotos y posters, y aquí la página web oficial, que si bien tiene poco contenido y casi todo está en “Coming soon”, podemos apreciar su buen diseño. También podemos encontrar 5 tomos del comic que servirían como preludio a la película. 4 de ellos están en “Coming soon”, y el primero no se alcanza a leer, pero aquí podeis hacerlo. Es original y puede ser un buen aperitivo para la película. En fin… a esperar toca. Todavía tengo pendiente la crítica de esa fascinante obra maestra que es Donnie Darko.

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Adaptaciones de videojuegos: Un rico mundo por explorar (3).

septiembre 17, 2007 at 10:52 pm (Próximos estrenos, Trailers, Videojuegos)

He regresado. Y al contrario de lo que muchos pensais no voy a contaros anécdotas mil con burdas reflexiones pre-adolescentes, ni voy a continuar con el carácter autocompasivo de mis últímos posts, sino que voy a concluir con las adaptaciones de videojuegos, de las que escribí dos artículos anteriormente. Uno sobre las adaptaciones de videojuegos que se han hecho hasta la fecha, y otro sobre los videojuegos que según mi punto de vista podían convertirse en buenas películas. Pues bien, ya sólo me falta hablar sobre las adaptaciones que están por llegar y que pueden traer o no un poco de luz al de momento oscuro mundo de las adaptaciones de videojuegos. Comienzo con las adaptaciones de videojuegos confirmadas y al final con los rumores que esperemos o no se hagan realidad.

– Hitman (Xavier Gens).

Este es el poster oficial de Hitman, dirigida por el francés (y desconocido) Xabier Gens, que sólo había dirigido PTK, Au petit main, un episodio de Sable noir y la aún sin estrenar Frontière(s). La protagonizan Timothy Olyphant (no voy a volver a mostrar mi desacuerdo con esta elección), Dougray Scott, Robert Knepper, Olga Kurylenko y Ulrich Thomsen. La película se basa en alguno de los 4 videojuegos de Hitman, o hace un refrito de todos, o parte de ese personaje para contar una historia nueva (hoy en día a cualquier cosa le llaman adaptación). Narra las andanzas del Agente 47, un asesino a sueldo que mata personas (o cumple misiones, como os plazca) para “La Agencia” y que se verá inmerso en un conflicto con la Interpol y Rusia. De momento, uno no sabe qué esperar. No parece que vaya a ser un bodrio de los gordos, pero tampoco se augura una buena película. La fecha de estreno prevista en España es el 26 de octubre, que se estrenará casi un mes antes que en EE.UU. (cosa que no recuerdo desde X-Men 2). Aquí podeis ver un poster, aquí otro, aquí el oficial, aquí imágenes y aquí o aquí el teaser y el trailer.

– Prince of Persia: The Sands of Time (Michael Bay).

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Ese maravilloso videojuego de título Prince of Persia: Las arenas del tiempo (no confundir con el clásico de 16 bits del 91, que a pesar de suponer una novedad para la época por el salto de los 8 bits a los 16, se me hace repetitivo) en el que junto a Farah, debíamos recorrer un palacio imperial intentando enmendar el terrible error que comete el joven príncipe liberando las arenas del tiempo merece una adaptación a su altura, y tras ver la producción de Jerry Bruckheimer y la escritura de Jordan Mechner (creador del videojuego original) y Jeffrey Nachmanoff (guionista de El día de mañana) aún se vislumbraba la posibilidad. Pero tras conocer la noticia de que el palomitero y cansino Michael Bay la dirigiría, mis esperanzas cayeron abatidas al suelo. Vale que nos pueda ofrecer algo para pasar el rato, pero es que Prince of Persia se merece más. Más le vale que se ponga las pilas y haga su mejor película, que son muchos los fans que la esperan. Aquí teneis imágenes. No hay reparto confirmado, pero se rumorea que el papel del príncipe iría para Charlie Clausen, que le conocerán en su casa. El estreno está previsto para el 10 de julio de 2009.

– Halo (Neill Blomkamp).

Halo

Probablemente, la adaptación de un videojuego más esperada del momento. En el juego teníamos que combatir contra El Pacto, una raza alienígena con muy malas pulgas que nos las haría pasar canutas. Aquí teneis la historia que precede al comienzo del primer juego, que recomiendo leer porque en el juego se da por hecho que la sabes, y aunque en el film no creo que lo hagan nunca está mal prevenir. La película ha tenido bastantes cambios hasta la fecha. Primero, se supo que Peter Jackson sería el productor ejecutivo (buena señal); luego se rumoreó que Guillermo Del Toro la dirigiría (buenísima señal), pero él mismo lo desmintió afirmando que si tras terminar con Hellboy 2 el puesto aún estaba libre, lo asumiría con gusto (lo cual era prácticamente imposible porque el dinero vuela), pero no iba a dejar abandonado a “rojo”. Después se confirmó que el hasta entonces archidesconocido Neill Blomkamp la dirigiría (mala señal), pero resulta que el tío era ingenioso (por razones que explico un poco más adelante). Pero no termina ahí la cosa. Más tarde se supo que había problemas con las productoras, dicen porque el presupuesto inicial de 135 millones de dólares no alcanzaba para lo que quería hacerse (lo cual despeja las dudas de que será algo grande), y ahora el proyecto está parado. Y por último, hace poco salieron dos videos con respecto a Halo. Tetra Vaal, otro sin título que probablemente sea de la propia película y el teaser de Halo 3, presentado en el último festival del E3, del que pensaba hablaros pero al final no ha podido ser. Además, el bueno de Blomkamp tiene unos cuantos cortos más que destacables. El cuánto menos curioso Alive in Joburg, el interesante Yellow y con el que yo me quedo, Tempbot (podeis verlo abajo), que me parece una genialidad. Merece ser visto. También hizo ese gracioso anuncio del transformer para Citröen. Bueno, que si las cosas salen bien creo que tanto Jackson y su Weta como Blomkamp pueden conseguir una adaptación realmente buena de un juego relamente bueno. El estreno está previsto para el 2009.

– Onimusha (Christophe Gans).

Christophe Gans, quién nos ofreció la pasable Crying Freeman, la estupenda El pacto de los lobos y la mejor adaptación de un videojuego (Silent Hill), y dirigió el corto Silver Slime en el 81 y un segmento de Necronomicon (basada una novela de H.P. Lovecraft) en el 93, prepara otra adaptación de videojuego (aparte de que ya está pareparando Silent Hill 2). En esta ocasión se trata de la famosa saga de Capcom Onimusha, en la que el samurai Samanosuke (interpretado por Takeshi Kaneshiro), deberá enfrentarse al ejército de Nobunaga, que ha regresado de entre los muerte para hacerse dueño del país para siempre. Como videojuego, la historia daba el pego. Pero en una película se va a tener que cuidar bastante para que no resulte estrafalaria y poco creíble, y es que en esto de narrar Gans no es el mejor precisamente. El rodaje comenzará en febrero de 2008 en China, y el estreno está previsto para finales de 2009. Se rumorea la participación de la exhuberante Monica Bellucci, pero aún no se sabe si Jean Reno asumirá el papel principal junto con Takeshi Kaneshiro. Con la mierda en la que se ha metido últimamente no creo que les cueste mucho convencerle.

– Far Cry (Uwe Boll).

Si, amigos. Esa obraza de Far Cry, en la que una tal Valerie nos contrataba para llevarla a una isla de Micronesia y atacaban nuestro barco, yendo a parar a una isla aparentemente paradisíaca que resulta ser todo lo contrario ha ido a parar a manos de Uwe Boll. ¿La razón?, parece que los derechos son más fáciles de comprar que un brik de leche. Pero no contento, tiene aún buenas cartas guardadas en la manga. Recientemente sacaron para videoclub Bloodrayne (sin previo paso por el cine, aleluya) y Bloodrayne 2 (igualmente), y aún tiene previsto el estreno de In the name of the king: A Dungeon Siege tale. Si el videojuego ya era normalillo, imaginaos la película. Con un reparto bastante destacable (inexplicablemente) encabezado por Jason Statham, Ray Liotta (las deudas no esperan), Leelee Sobiesky, Burt Reynolds, Ron Perlman , John Rys-Davies, Kristanna Loken y Claire Forlani, podeis ver el primer trailer aquí y el segundo (que está bastante mejor) aquí. A pesar de contar con el mismo presupuesto que 300 (60 millones de dólares), estoy seguro de que se verá igual de cutre que sus anteriores “películas”. También se ha hecho cargo de Postal (no os perdais el trailer), Fear effect (no F.E.A.R., tranquilos, pero todo se andará xD) y Hunter: The Reckoning, así que tenemos (a quien nos toque las) Boll(s) para rato. ¿Por qué le dejan seguir haciendo cine? Las subvenciones alemanas y su distribuidora propia son dos factores a tener en cuenta. 

– Otras adaptaciones.

Aparte de las citadas, también hay otras adaptaciones en proceso de preparación, aunque de momento no se conocen muchos datos acerca de ellas. Como son los casos de The Suffering (la MTV adquirió los derechos), Soul Calibur (“de los productores de American Pie…”), God of War (Universal se hizo con los derechos), el mediocre (es mucho decir) Dwight H. Little dirigirá la adaptación de Tekken, (que podría protagonizar Jet Li), Return to castle Wolfenstein (que producirá Samuel Hadida), Splinter Cell (guión a cargo de , cómo no, Tom Clancy) y por último, Dwayne “The Rock” Johnson (limitado, pero no tan malo como la gente cree) protagonizará la adaptación de Spy Hunter (cuyo guión correrá a cargo del efectivo Stuart Beattie). De Resident Evil: Extinción ya hablé aquí. En cuanto a los rumores, dicen que Quentin Tarantino podría dirigir Half-Life o que Park Chan-Wook podría dirigir Metal Gear Solid y Viggo Mortensen protagonizarla. Personalmente, dudo mucho que tales rumores se hagan realidad, sobre todo el primero. Curiosamente, son los rumores los que más me gustaría ver.

Si no me dejo ninguna, creo que esto es todo, amigos. Tendremos adaptaciones de videojuegos a parir próximamente. Sólo cabe esperar que la idea de adaptar videojuegos como mera estrategia comercial para hacer una película “pum-plof-bang-bang” que se parece al videojuego lo mísmo que una naranja a un pepino desaparezca en pos de una alternativa para contar historias a partir de videojuegos que la tienen (esto es muy importante), siendo todo lo fiel que se deba al videojuego teniendo en cuenta que se va a hacer Cine, tal vez un poco más centrado en lo visual y posible causante de nuevos avances y reinvenciones dentro del séptimo arte, pero Cine al fin y al cabo. El dinero manda, pero espero que ese pequeño grupo de personas que quieren y saben hacer las cosas bien haga acto de presencia. La esperanza es lo último que se pierde, ¿no?

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Los 10 estrenos más esperados del año.

abril 12, 2007 at 12:01 am (Próximos estrenos)

Veo que con tantas críticas seguidas, una tras otra, este blog se está haciendo bastante monótono. Así que para dar un poco de variedad (ni que se alejara mucho de lo que suelo postear), voy a comentar los que para mí son los estrenos más esperados que se nos avecinan a lo largo y ancho de este 2007 (hay muchos más para el 08-09, pero ya los comentaré en otra ocasión). Este año va a estar repletito de secuelas, pero también se prevee bastante cine de autor, que al menos dejan un espacio más amplio a la creatividad e imaginación (¿?) de los guionistas:

1. La Fuente de la Vida (Darren Aronofsky).

Esperemos que llegue en breve a nuestro país. En los festivales en los que se ha presentado no ha cosechado muy buenas críticas precisamente, pero el público se ha mostrado algo más favorable. Visto su espectacular (pero en extremo revelador) trailer, sólo puedo decir que me muero de ganas por ver la película (y también Requiem por un sueño), pero su director me asquea un poco. A quien no le asquearía que un tipo así se líe con tu musa Nº1 del Cine. Hugh Jackman interpreta a un hombre del presente que realizará dos viajes, uno al pasado en 1500, otro al futuro al año 2500. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este film intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa (Rachel Weisz)enferma de cáncer… Trailer y poster (uno de ellos).

2. Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo (Gore Verbinski).

Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra supuso un soplo de aire fresco al cine de aventuras, ofreciéndonos un espectáculo 100% entretenido, repleto de buenos y excitantes momentos, y con toques de humor muy apropiados. Sin embargo, su segunda parte, Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto, bajó el nivel. Sigue siendo entretenida, pero los personajes no son tan carismáticos (Jack Sparrow sí, pero está un poco exagerado), el humor ya no es complemento de la historia (lo que hace que pierda su frescura) y el metraje se excede demasiado por centrarse en detalles argumentales de nula importancia (esos dados…). Esperemos que ésta tercera parte recupere el nivel de la primera. Yo desde luego, no pienso ver el trailer, aunque en este caso me será inevitable porque lo pondrán 1000 y una veces en el cinehasta que se estrene en verano (a ver qué estreno gana en taquilla). Will Turner (Orlando Bloom), Elizabeth Swann (Keira Knightley) aliados con el capitán Barbossa (Geoffrey Rush), se emabarcan en una búsqueda desesperada para liberar al capitán Jack Sparrow (Johnny Depp) de las manos de Davy Jones. Mientras el terrorífico barco fantasma, el Holandés Errante, bajo el control de la East India Trading Company, causa estragos a lo largo de los Siete Mares. Will y Elizabeth, navegando en medio de la traición, la felonía y mares salvajes, deben seguir adelante rumbo a Singapur y enfrentarse al astuto pirata chino Sao Feng (Chow Yun-Fat). Ahora, en los mismísimos confines de la tierra, todos ellos deben elegir un bando en la batalla final ya que no sólo sus vidas y fortunas, sino también el futuro de la piratería clásica, pende de un hilo… Trailer y poster (uno de ellos).

3. Spider-Man 3 (Sam Raimi).

La tercera parte de la hasta ahora trilogía del famoso trepamuros está prevista para el verano. El trailer (que ví sin remedio alguno en el cine) es muy revelador, y ya puedes imaginarte lo que va a pasar, pero tal vez nos sorprenda. Las dos primeras partes me gustaron bastante. Aunque previsibles (y que los efectos especiales canten un poco), son muy entretenidas y fáciles de ver. Peter Parker (Tobey Maguire) parece que ha consiguido finalmente un equilibrio entre su devoción por Mary Jane (Kirsten Dunst) y sus deberes como superhéroe. Pero una tormenta amenaza en el horizonte; cuando su traje cambia de repente, volviéndose negro y mejorando sus poderes, Peter también se transforma, sacando el lado más oscuro y vengativo de su personalidad. Bajo la influencia de este nuevo traje, Peter se vuelve demasiado confiado, y comienza desatender a la gente que realmente le quiere y se preocupa por él. Obligado a elegir entre el tentador poder que le proporciona el nuevo traje y el compasivo héroe que solía ser, Peter deberá vencer sus propios demonios, mientras dos de sus más temidos enemigos, Venom y el Hombre de Arena utilizarán sus poderes para calmar su sed de venganza, amenazando a Peter y a toda la gente que quiere… Trailer y poster (uno de ellos).

4. Zodiac (David Fincher).

Aún tengo pendientes los dos trabajos más aclamados del director: Seven y la polémica El club de la lucha. La habitación del pánico y me pareció una del montón, entretenida, con cierta tensión, pero muy convencional, aunque por esta cinta no se puede juzgar el resto de sus trabajos, claro. Ahí dónde ha sido estrenada, Zodiac ha tenido muy buenas críticas. Con su excepcional reparto, su intrigante argumento y los antecedentes de Fincher ganas no me faltan de verla. El estreno en España está previsto para el 18 de mayo. Paciencia… Basada en hechos reales (qué etiqueta tan molesta), Zodiac nos narra una historia sobre el famoso asesino del Zodiaco, un asesino en serie que entre los años 1966 y 1978 asesinó al menos a 37 personas en San Francisco, centrándose la historia en las pesquisas de 3 detectives (Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr. y Mark Ruffalo) que intentaron darle caza. Trailer y poster (uno de ellos).

5. Grindhouse (Quentin Tarantino, Robert Rodriguez).

Película dividida en dos partes (una dirigida por Tarantino, la otra por Rodriguez) de una hora de duración cada una pero estrenadas juntas en los EE UU. Están separadas por falsos trailers de películas de terror, creados por los directores del género Eli Roth, Rob Zombie y Edgar Wright. Los rumores de que en nuestro país va a ser partida y haya que pagar por ver cada parte independiente sólo me incita a guardar mi monedero e impedir que los distribuidores (aunque en este caso la culpa recaiga más sobre los hermanos Weinstein) sigan tomándonos el pelo. Ya me la bajaré o la alquilaré, pero no pago 6.10€ para eso. Menudo timo descarado. Los críticos coinciden en que ambas partes son un verdadero “placer”, y que están repletas de salvaje y sangrienta diversión. Es decir, ¡quiero verla ya! (lo que sólo va a ser posible en el caso de que junten los dos fragmentos). Y otra cosa. Para que las dos partes puedan ser estrenadas comercialmente y de forma independiente en nuestro país, tienen que sobrepasar estrictamente la duración de 60 minutos. Grindhouse es el nombre de las salas donde, en los años setenta, se proyectaban las clásicas “exploitation”, películas de bajísimo presupuesto en las que el terror, la violencia y el sexo campaban a sus anchas. Tarantino y Rodríguez quieren hacer aquí un homenaje a este tipo de cine y a las salas donde se proyectaba. La primera parte, dirigida por Tarantino, se titula Death Proof, y su argumento gira en torno a un asesino en serie que va aniquilando a sus víctimas con su coche. Lo protagonizan Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Rose McGowan, Sydney Tamiia Poitier, Marley Shelton, Tracie Thoms y Mary Elizabeth Winstead. El segundo se titula Planet Terror y está dirigido por Rodríguez. Se trata de una película de zombies protagonizada por Freddy Rodríguez, Rose McGowan, Josh Brolin, Naveen Andrews, Marley Shelton, Michael Biehn, Stacy Ferguson, Jeff Fahey y Michael Parks. Trailer y poster (uno de ellos).

6. Harry Potter y la Orden del Fénix (David Yates).

Quinta aventura del famoso niño mago, cuyo estreno mundial está previsto para el 13 de julio. La primera incursión del protagonista me pareció cautivadora, todo el ambiente mágico me maravilló, y su hermosísima melodía me sugiere algo así como “la genuina magia que se oculta tras un callejón oscuro”. La segunda no me gustó tanto, bien porque la duración era algo desmesurada y el guión no aguardaba sorpresas. La tercera recuperó el vuelo y la cuarta se quedó en un bonito espectáculo multicolor, pero irregular (se alarga demasiado en escenas como la del baile y en otras de acción) y lejos de la magia de las novelas de J.K. Rowling. No se han dado muchos detalles acerca de su argumento, así que si no te has leído el libro no podrás deducir mucho más aparte de que Potter vuelve por quinto año a Hogwarts y se reencuentra con Ron (me acuerdo de su espantoso doblaje de la segunda parte) y Hermione (que por cierto, ya parecen adultos con las hormonas hiper-desarrolladas). Trailer y poster (uno de ellos).

7. Los Simpsons: La Película (David Silverman).

Probablemente, el estreno más esperado del año. Todos merecemos que la adaptación cinematográfica de la mejor (y más tronchante) serie de animación del mundo esté a la altura. Si los guionistas se estrujaran las neurnonas la mitad de lo que lo hacen en cualquier capítulo de la serie me doy por satisfecho. Porque si todos y cada uno de los capítulos de la serie tienen algo que hace que me parta de risa (pero exagerado, si me vierais…) me van a doler los abdominales como nunca en la sala en la que se proyecte. Uh, uh, será mejor que nos pongamos manos a la obra… Trailer y poster (uno de ellos).

8. Sunshine (Danny Boyle).

El interesantísimo director Danny Boyle ha cosechado buenas críticas con su nuevo proyecto allá donde se ha estrenado. No hay fecha de estreno definida (lo cual no es buena señal, para cuando nos la traigan…). Debutó con Tumba abierta, pero fue Trainspotting (que aún no he podido ver) la que marcó un antes y un después en su carrera. Tras el tropezón (a mí tampoco me parece tan mala) de La Isla, continuó con 28 días después que ví hace unos días (y si no fuera por el brusco cambio de personalidad de Cillian Murphy a lo Rambo al final, que no me convenció, sería de notable) y Millones. Esta Sunshine es su proyecto más ambicioso, a juzgar por el reparto, el trailer y la trama: Dentro de cinco años, el Sol se apagará, y la raza humana se extinguirá con él. La última esperanza es un cohete espacial con una tripulación formada por ocho hombres y una mujer, que intentarán llevar un aparato para insuflar nueva vida a la estrella, para que esta vuelva a brillar… Trailer y poster (uno de ellos).

9. Southland Tales (Richard Kelly).

Hace poco ví la anterior película de Kelly, Donnie Darko, que me dejó completamente maravillado y a la que aún le debo una crítica que esté a su altura (buff, chungo chungo…). Tal fue mi entusiasmo por esta que ardí en deseos por ver Southland Tales, que inexplicablemente, está teniendo un grave retraso en nuestro país. Su duración es poco inferior a las tres horas y sus variopintos protagonistas son The Rock, Sarah Michelle Gellar (qué guapa es esta chica), Seann William Scott, Mandy Moore, Miranda Richardson, Kevin Smith, Janeane Garofalo, Bai Ling, Lou Taylor Pucci… Impresionante. ¡Que la estrenen ya! Los Ángeles, 4 de julio 2008. Ante la falta de energía eléctrica y de carburante que ha provocado un ataque nuclear, una empresa alemana dirigida por Fraks descubre y comercializa el karma procedente del océano y que altera la rotación de la tierra. Ante ello, un amnésico actor del cine de mamporros, una antigua reina del cine porno, dos hermanos muy zumbados y un grupúsculo de guerrilleros marxistas deciden enfrentarse a la gran conspiración del racismo, el fascismo político y la policía represora para hacerse los dueños del caos. Al paso que vamos, la película pasará de “not too distant future” a “wrong present”. De momento no hay trailers disponibles, sólo storyboards hechos por fans. Poster (esta vez sólo hay uno).

10. Cuatro Últimas Canciones (Francesca Joseph).

Sé que no es un estreno muy esperado por la mayoría, pero yo sí que lo espero con ansias. Porque desde hace tiempo llevo considerando a Stanley Tucci un excelente actor, al que injustamente relegan a un segundo plano (incluso ha tenido un par de incursiones en la dirección: El secreto de Joe Gould y Big Night, junto a Campbell Scott). Así que tras años haciendo de secundario graciosete, creo que ya le llega la hora de demostrar su valía como actor protagonista (que la película tiene pinta de ofrecernos un papel principal impresionante). Además, la película ha sido rodada en territorio comanche, Mallorca y fue elegida para clausurar el Festival de Málaga. Aparte de Tucci, destaca un conocido reparto (sobre todo teniendo en cuenta que se trata de una película española): Rhys Ifans, Hugh Bonneville, Karl Johnson, Marisa Paredes, Emmanuelle Seigner (que menudo bailecito exótico nos marcó en Frenético), María Esteve y Jena Malone. Francesca Joseph (cuyo único antecdente cinematográfico es Tomorrow La Scala!) escribe y dirige. Larry es un americano que no ha conseguido triunfar en la vida ni a nivel personal ni profesional. Reside en un pequeño pueblo de una bella isla mediterránea (Mallorca), famoso en Europa porque un reconocido compositor vivió allí y allí compuso la mayoría de sus obras. Intentando aprovechar algo de la gloria del gran hombre, y deseoso de dejar su huella en la comunidad en la que vive, decide organizar un concierto en tributo al compositor desaparecido. Sin embargo, cada uno de los personajes de la historia interfiere en su proyecto: su leal y neurótica compañera Miranda, la bella musa del compositor Helena, la amargada viuda, el aprovechado Sebastián, su irresponsable hermano menor Dickie y el virtuoso y famoso pianista Narciso Ortega, además de Frankie, la rebelde y obstinada hija de Larry, y Sweetie, una talentosa violoncelista. De momento no hay trailers disponibles. Hay un poster en LaButaca, pero no sé cómo editarlo. Aquí teneis otra imagen.

Tal vez me deje algunas en el tintero como Shrek Tercero, La maldición de la flor dorada, El número 23, His Dark Materials: The Golden Compass o Los Cronocrímenes, pero tampoco es plan de alargar la lista hasta el infinito y sacar el tiempo de dónde no lo tengo. En resumen, este 2007 viene cargadito de estrenos (algunos como 300 o The Host ya hemos podido disfrutarlos) y con la esperanza de que este año supere al anterior en calidad fílmica.

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Adaptaciones de videojuegos: Un rico mundo por explorar (2).

marzo 10, 2007 at 6:06 pm (Próximos estrenos, Videojuegos)

Pensaba poner en este post las próximas adaptaciones de videojuegos y las que se están rumoreando, pero simplemente, tenía más ganas de poner los videojuegos que para mí tienen una historia cojonuda y, bien hechas, podrían ser películas formidables. Porque aunque la mayoría de medios de comunicación se empeñen en mostrarnos los videojuegos como peligrosas armas de destrucción masiva para los menores, los hay con una muy buen historia. Cada vez que se hace un reportaje en la televisión sobre los videojuegos es para decir lo mismo: les hace daño a los niños, puede inculcarles comportamientos violentos y convertirles en delincuentes, que si censura del San Andreas… Se sorprenderían de la cantidad (y calidad) de videojuegos diferentes que hay, pero todos sabemos que a ellos no les importa hacer un análisis en profundidad, tan sólo dar la imágen de culturetas y periodistas tan sólo por tener unas gafas homologadas, un boli y un cuaderno dónde apuntan cuándo y dónde podrán ver a la Pantoja y preguntarle por Julián Muñoz. El caso es que hay muchos cineastas cuyas aclamadas obras tienen muchos puntos en común con la estructura de un videojuego. Historias entrelazadas, ambiente apocalíptico, el aspecto visual imponiéndose al narrativo… Muchos lo negarán, pero eso no quita que sea o no así. En mi opinión, y por lo que he podido jugar (estoy seguro que descubriré muchos más juegos idóneos para adaptarse), éstos son los que más me han hecho pensar que de ahí podría hacerse una película cojonuda (he dejado fuera Final Fantasy VIII, pero a este pienso dedicarle un post completo, o varios):

– Mafia (Gathering).

Lo cierto es que llevo meses atascado en la misión “Bastardo afotunado”, y por falta de tiempo, no he podido continuarlo. Pero en casa de un amigo nos lo pasamos los dos, bueno, más bien él XD, y puedo decir que es un videojuego sobresaliente en todos los aspectos. Los gráficos son buenísimos (tal vez los personajes estén un poco poligonados), la jugabilidad es total (puedes vagar por la ciudad haciendo lo que te dé la real gana en el modo “Viaje gratis”), con una ambientación y recreación de la época increíble y brutal, que encuentra el equilibrio perfecto entre las frenéticas (y difíciles) misiones y una historia apasionante y compleja, espléndidamente entretejida, más aún teniendo en cuenta que se trata de un videojuego. El personaje es un humilde taxista que por accidente, se ve inmerso en el mundo de la mafia de los años 50, lleno de peligros, persecuciones, dónde nada ni nadie es lo que parece, y alguien a quien crees amigo puede estar apuntando a tu espalda con una Colt del 1911 sin que te des cuenta… El tema es una de mis debilidades. Toda película, libro o videojuego que trate el mundo de la mafia ya despertará mi interés. Me encanta el ambiente que destila ese mundo, y este videojuego lo recoje magníficamente. En muchos aspectos recuerda a las mejores escenas de acción del cine de Brian De Palma, en otras por el enorme peso dramático, a Coppola (padre, claro) ¿Os imagináis la adaptación cinematográfica dirgida por Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o el mismo Brian de Palma (en sus tiempos de Carlito´s Way, no en estos de la floja La dalía negra)? Hohoho, peliculón que saldría.

– Fahrenheit (Atari).

Fahrenheit

Ha salido hace poco, pero desde que probé su demo no me ha dejado tranquilo. Esa música maravillosa de violín (es del compositor de las pelis de David Lynch), Nueva York repleto de una manta de nieve apocalíptica que cubre el terrible secreto de varios asesinatos… Me bajé los niveles 2 y 3, pero hasta hace poco no he visto el juego ni en el Corte Inglés ni por ninguna otra parte. El personaje se llama Lucas Kane, un hombre que se ve involucrado en el asesinato de otro. No podrá probar su inocencia pues él lo hizo, tan sólo buscar respuestas ante el “porqué” de tan terrible acto. El juego trata temas como la conciencia, el karma, el sentimiento de culpa, la voluntad, la identidad y demás asuntos psicológicos y filosóficos dentro del género del trhiller, pero en lo poco que he podido probar no he podido averiguar mucho más. También me llamó la atención lo de varias escenas al mismo tiempo, al estilo 24, aportando mayor tensión e intensidad. Se me hace una mezcla entre el cine de David Lynch, El fugitivo y C.S.I. ¿Os la imaginais dirigida por el primero (con argumento coherente), Christopher Nolan o Ridley Scott? Es más, creo que a Alfred Hitchocock (que en paz descanse), éste proyecto le pegaría bastante, pues tiene muchas remniscencias (salvando las distancias) con su Recuerda.

– Beyond Good & Evil (Ubisoft).

Una estupenda historia fantástica, ambientada en el planeta Hillys, que combina con total acierto la investigación y aventura, plataformas y una trepidante acción. Los personajes son muy entrañables y uno se mete en la historia y en la ambición de la protagonista reportera Jade por dar a luz la verdad. El planeta Hillys está siendo atacado por una especie alienígena llamada DomZ. Haciéndoles frente para impedir la invasión están las Secciones Alpha. Como tercero en discordia aparece la Red Iris, que intenta demostrar que las Secciones Alpha ocultan algo. Jade es una joven reportera gráfica que se gana la vida realizando trabajos esporádicos. Sus habilidades son conocidas por la Red Iris, y tratarán de buscarla para que les ayude. Este épico argumento nos engulle y hace que no soltemos el mando joystick o ratón hasta haberlo terminado. Ya me falta poco, y me está encantando. Publiqué una crítica sobre él. ¿Os la imaginais dirigida por James Cameron?

– Syberia (Microids).

Esta misma mañana he podido pasarme el nivel en el que estaba atascado. Me encontraba en en Barrockstatd y los que lo habeis jugado sabeis que tenía que hallar la forma de dar cuerda al tren, que se había parado en esa estación. Por fin conseguí la autorización que el cargante autómata Oscar me pedía y pude continuar mi viaje. Me está encantando, la historia es fabulosa (lo de los autómatas es originalísimo, todo un puntazo) y una vez más, me he dejado atrapar por ella e identificarme con Kate Walker y su lejana búsqueda de hans Voralberg. Tiene un aire mágico y nostálgico que me fascina, además de un toque literario muy apropiado, los gráficos son preciosos, con unos exteriores espectaculares y tiene el espíritu original de la aventura más tradicional de apuntar y pulsar. Y la música… Oh! Una maravilla de momento, de la que se podría sacar una gran película. ¿Os la imaginais protagonizada por Jennifer Connelly, Rachel Weisz o Kate Winslet y dirigida por Terrence Malick (realzando el toque de nostalgia y culturas únicas de cada lugar), Jean-Pierre Jeunet (dándole un toque similar a Largo domingo de noviazgo) o Frank Darabont (dándole el toque de The Majestic)?

The Longest Journey (FX Interactive).

Jugué hasta la mitad o así (es larguísimo) hace unos años y no me acuerdo mucho, pero sí de que me dejó un estupendo sabor de boca y otra vez, de una historia mágica muy elaborada. Tendré que pillarme la reedicción de FX Interactive, al ver de nuevo el trailer ganas no me faltan. El argumento es sensacional. Nos relata la historia de April Ryan. Una estudiante de Bellas Artes que se acaba de trasladar a la gran ciudad para ir a la facultad. Creció en el campo, dónde guardaba un trágico pasado del que decidió fugarse. La vida de April cambiará cuando comienza a sufrir extraños sueños, sueños que mostrarán nuevos horizontes, apareciendo dos mundos aparentemente distintos, pero que en realidad forman un círculo simbiótico, lo que le pase a un mundo repercute en el otro. El mundo de April se llama Stark, es un mundo regido por la ciencia, la lógica y lo racional. Un mundo donde no hay cabida para fenómenos extraños, donde todo tiene y debe tener una explicación. El otro mundo es Arcadia, un mundo que gira gracias a la magia, los hechizos, los duendes, los seres mitológicos, las religiones y los cultos a extrañas creencias. De su secuela, Dreamfall, no he oído tan buenas críticas. ¿Os la imaginais interpretada por Natalie Portman y dirigida por Steven Spielberg, George lucas o Michael Gondry (ya se que en tono no le pega nada, pero en colaboración con otro director más “comercial” podría sacarse el máximo provecho a la dualidad sueños-realidad)?

He oído que Broken Sword, Far Cry, Half Life 1 y 2 (esas máquinas del segundo se parecen sospechosamente a las de La guerra de los mundos) y World of Warcraft ( el trailer es asombroso) son también excepcionales y que tienen una magnífica historia, pero no he tenido oportunidad de jugarlos. Sí que he jugado a la demo de F.E.A.R., y me dejó con los ojos como platos de pura impresión, pero me parece un poco precipitado comentarlo cuando tan sólo me he pasado un nivel. Dentro de poco, la tercera parte del artículo, centrada en las adaptaciones de videojuegos que se nos acercan. ¿Qué videojuegos os gustaría que se adaptaran a la gran pantalla?

TRAILERS:

Final Fantasy VIII.

Mafia.

Fahrenheit.

Beyond Good & Evil.

Syberia.

The Longest Journey.

Broken Sword.

Far Cry.

Half-Life 2.

World of Warcraft.

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